Streama eller hoppa över: "The Perfect Match" på Netflix, romantiska komedier med före detta Nickelodeon-stjärnan Victoria Justice och "Sex/Life"-studenten Adams demo
Streama eller hoppa över: "Respekt" i Amazon Prime Video, där Jennifer Hudson är huvudperson i den besvikande Aretha Franklin-biografin
Spela eller hoppa över det: 'Gamestop: Rise of the Gamers' på Hulu, en hysteriskt rolig dokumentär där underdogs störtar onda jättar
Streama det eller hoppa över det: "Elon Musk Crash Course" på FX/Hulu, NY Times presenterar dokumentation om Teslas självkörande teknikproblem
Streama eller hoppa över det: Amish-synderna på Peacock, en dokumentserie om kroniska sexuella övergrepp inom Amish-samhället
Streama eller hoppa över det: 'Look at me: XXXTentacion' på Hulu, en dokumentär om den avlidne rapparens liv och supernovakarriär
”Randy Rhoads: Reflektioner om en gitarrikon” undersöker det korta livet och den enorma inverkan som Ozzy Osbournes originalalbum Axeman hade.
Streama eller hoppa över det: 'Teen Titans Go! & DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverse' på VOD, en massiv crossover-film med ~1 miljon karaktärer
Streama det eller hoppa över det: Sonic the Hedgehog 2 på Paramount+, en mer fängslande, bullrigare uppföljare med mer IP och färre skratt
Slutet på "Vi äger staden" förklaras: Jon Bernthal, David Simon och fler svarar på dina brännande frågor
Joy Behar kritiserar Sara Haines i hetsig diskussion om vapenkontroll om "åsikter": "Stoppa psykisk hälsa!"
Årets filmfestival i Cannes – det första året av den mest beundrade filmfestivalen i världen – har producerat många bra och värdefulla små storheter, och jag väljer att tillskriva denna obetydlighet till COVID:s omvända flaskhals, som avbröt 2020. Produktionen återupptas nu. Till er ödmjuka kritiker kan en till synes topprankad filmlista ha producerat ett mästerverk (jag tittar på dig, James Grays apokalyptiska tidsålder) och flera misslyckanden som går utöver bara ondska och närmar sig ett moraliskt angrepp (även om svart lidande drama Tori och Lokita och sexarbetarmordthrillern Holy Spider oförklarligt nog har sina anhängare). Traditionellt sett ges dessa priser till fel filmer, med Ruben Östlunds breda satir Sorgernas triangel från 2017 med The Square. Bland de mer skrämmande visningarna på en medelmåttig filmfestival är jag säker på att nästa år utan tvekan kommer att ge storfilmer från tungviktsregissörer.
Men det är ingen idé att klaga, inte när man kan stirra grublande på Medelhavets safirblå vågor på morgonen och försöka att inte genera sig medan man smattrar på en cocktailparty med Julianne Moore på kvällen. När det gäller själva filmen erbjuder sidoshowerna höjdpunkter utöver det vanliga, som en fantastisk resa in i människokroppen – jag pratar inte om David Cronenbergs senaste, tro det eller ej – och en fördjupning i psykologisk silhuett i frodig fantasy. Några av de dussintals filmer som presenteras nedan har redan säkrat ett biokontrakt i USA och kommer att ha premiär 2022; andra har ännu inte valts ut och kan bli stora streamers i flödet efter semesterns erbjudanden. (Du skulle bli förvånad över hur många av Netflix bästa utländska förvärv som gör succé på Palais des Festivals för första gången.) Läs vidare för en sammanfattning av de 12 mest lovande premiärerna från det soliga södra Frankrike, där de bästa ... Utnyttja sin tid väl medan man fortfarande sitter inomhus, i mörkret, i timmar i sträck.
Efter att ha drivit pappans problem till universums gräns i "Astra", fokuserar James Gray på fäder och söner på en mer solid och omedelbar personlig skildring när han skriver för denna fiktiva memoar – en av hans mest gripande verk – och återskapar New York-filmerna från sin barndom på vem vet hur länge. Den judiske ungdommen Paul Graff (Michael Banks Repeta, ganska upptäckt) drömmer om att en dag förvandla sin raketgraffiti till en konstvärldsstorhet, men utmaningarna i det vanliga livet håller honom sysselsatt: Föräldrar (Anne Hathaway och Jeremy Strong, båda som bäst) som vill att han ska vila i skolan, en älskad farfar (Anthony Hopkins) som är vid dålig hälsa och flyttar till ett privat college med Reagan-pajnördar i. Gray återger allt i detalj (han och hans team byggde en skalenlig replika av hans tidigare hus på ljudbilden med hjälp av hemmafilmer och gamla foton), mer gripande än den hjärtskärande monologen på grund av dess intima karaktär. Sex är mer gripande än hjärtskärande monologer. Det är som att snoka i någon annans minne.
Avgörande är dock att Gray ser sina mini-me-val genom vuxnas klara ögon. Filmens moraliska kärna handlar om klass – hur den påverkar Paul på subtila sätt som han inte kan förstå, och hur hans föräldrar påverkar honom på sätt som de hellre ignorerar eller rationaliserar. Pauls vänskap med en svart klasskamrat (Jaylin Webb) är söt och naiv, tills de mycket olika omständigheterna i deras liv driver dem i motsatta riktningar, och Grays uppenbara skuld antyder att denna oenighet kanske inte är så passiv. När det gäller föräldrar väger de ständigt sina principer och sina metoder, överger offentliga skolor som de påstår sig inte vara högre än, och ser ner på dem de påstår sig stödja. Gray vägrar att sudda ut de oroande rynkorna i ett ofullkomligt förflutet, och ärlighet är nyckeln till vacker sanning i varje bildruta av denna tydligt observerade minnesvandring.
Som festivalens hetaste titel känns David Cronenbergs återgång till sin sfär av kroppsskräck som en återkomst i ett bredare bemärkelse – en stor man född ur Mount Olympus Artist, som påminner om hur alla dessa låtsaskonstnärer och poserare gör det. Viggo Mortensen och Léa Seydoux spelar ett par performancekonstnärer med en obehaglig prestation: hon manipulerar fjärrkontrollen till en kirurgisk maskin, öppnar dörren för åskådare i klänningar och smoking och tar bort de fruktansvärda nya organ som hans kropp har producerat. Accelerated Evolution Syndrome. Som Cronenbergs första icke-metaforiska konstnärsfilm är det både lockande och tillfredsställande att projicera sin egen tolkning av status quo inom svag-te-degenererad film på sina karaktärer och deras positioner (många av hans ympade öron kan inte ens höra!) Stående imitatörer som saluför kopior av hans stil.
Men även efter ett åttaårigt uppehåll tar Cronenberg fortfarande lektioner ensam. Hans metoder blir allt märkligare och längre bort från de raka genrer som vissa fans vill att han ska passa in i. Alla (särskilt Kristen Stewarts skämtsamma Timlin) talar i barocka slagord eller teoretiska passager; "Smitta – vad är det för fel på dem?" är en omedelbar favorit. Filmens textur har en onaturlig plastreflekterande lyster, lämplig för en öppningsscen med ett barn som äter i en papperskorg. Morgondagens värld är bokstavligen och mentalt undernärd, grekiska stränder är täckta av rostiga båtar med en svag dystopisk smak, och syntetiska material är vår yttersta matkälla. Otroligt nog grävde Cronenberg i verkligheten genom att skriva det här manuset före sin senaste artikel i Guardian om mikroplaster, men hans förutsägelser kommer bara att bli starkare när planeten glider längre in i sina skymningsår. Istället skulle han kunna gå vidare för alltid.
På tal om kroppar och den skrämmande potentialen för dem att missköta sig på oförutsägbara och motbjudande sätt: Denna dokumentär från Harvards Sensory Ethnography Lab (ger oss djuphavsfiske-huvudresan Leviathan). En exempellös inblick i det hala, slemmiga underlandet vi tar för givet varje dag på flera sjukhus runt Paris. Regissörerna Véréna Paravel och Lucien Castaing-Taylor underlättar utvecklingen av nya miniatyrkameror som kan fånga högkvalitativa bilder från tunntarmen och ändtarmens lumen, och urskilja skillnaden mellan ren avantgardistisk geometri och visceral intensitet som undslipper teatern. Ja, man kan aldrig glömma den uretra-sonderande scenen där en lång metallstav ställs in på "Kalashnikov-läge" och slår in i en persons urinrör, eller att se en nål sticka igenom irisen på den modigaste mannen som någonsin rengjort ögongloben på jorden. Men om du är som jag och går in i varje ny film och vill visa något du aldrig sett förut, finns det ingen bättre garanti än så.
Det är inte heller bara ett enkelt, grovt exploatering. Vi lärde oss att själva sjukhusets funktioner är lika komplexa och sammankopplade som människokroppen, med olika organ som arbetar i harmoni. Under prostatastimulering hör vi en kirurg skälla ut sina sjuksköterskor och assistenter för problem utanför hans kontroll, en nickning till de underfinansierade och underbemannade frågor som amerikaner är så oroade över just nu. Paravel och Castaing-Taylor visade ett stort intresse för de grundläggande aktiviteterna vid dessa stora institutioner, med det mest spännande materialet från ett perspektiv av en filöverföringskapsel som färdas genom ett nätverk av pneumatiska rör som korsar byggnaden i warphastighet. Den sista danssekvensen – perfekt inställd på "I'll Survive" – är som en hyllning till vad en vanlig människa tycker om arbetarklassen, som deras eget hjärta som slår ofrivilligt, vilket är osynligt för livets fortsättning. Viktigt tills vi stannar upp och tänker på hur fantastiskt det är att vi kan gå vidare.
EO (uttalas ee-aw, jag rekommenderar varmt att du säger det högt några gånger nu) är en åsna och, ja, en väldigt duktig pojke. Den 84-årige polske gurun Jerzy Skolimowskis första film på sju år följer åsnan som inte ger upp när han gör saker på landsbygden, mestadels överlever och bevittnar prövningarna. Om detta låter som en parodi på djup europeisk konstakademi-sofistikering – det är trots allt en lös nyinspelning av 1966-klassikern Au Hasard Balthazar – låt dig inte avskräckas av den kalla minimalismen. Det är en ren fest, lika avkopplande och meditativ som den iskalla sjön, med en häpnadsväckande bild som hänger upp och ner och förvandlar träden till starkt reflekterande skyskrapor. Ett uttrycksfullt, fantastiskt kameraspel livar upp detta 88 minuter långa underverk, regelbundet varvat med EDM-liknande blixtar och experiment med röda gångjärn.
Ingen underskattar den grundläggande charmen hos den fyrbenta stjärnan själv, förenad av sex djurskådespelare i sin osminkade, kristuslika renhet. EO äter morötter. EO möter några fotbollshuliganer som tror att ogräset som fyller honom med öl och hagelgevär kommer att vara en giftig gas. EO dödade en man! (Här kommer han. Ingen jury kommer att döma.) Det är svårt att inte älska EO, eller att ägna sig åt luffarens missöden där han vandrar huvudsakligen som en avlägsen observatör. Sammantaget målar filmens olika avsnitt en bild av Polen i en andlig kris, från den oklanderliga Isabelle Huppert som en kåt styvmor till en oväntat avskedad präst som manifesteras. Men det är lika lätt att hänge sig åt den lugnande energin som utgår från vår nya åsnahjälte, och det naturlandskap han sakta men säkert leder oss igenom. För alltid EO.
Efter att ha fått en del kritikerros och tusentals fans för sitt arbete med "Normal" har Paul Mezcal spelat i Anna Ross Holmer och Sarah Davis sedan 2016. , den föga kända första filmen sedan The Fits, presenterar ett övertygande argument för sin egen filmstjärnestatus. Med lättsam charm döljer Mezcals förlorade son Bryan det otäcka under det när han återvänder till den irländska fiskebyn han övergav för flera år sedan för en nystart i Australien. Han ville återvända till stadens ostronskörd som dominerades av den lokala skaldjursfabriken, så han övertalade sin mamma som arbetade där (Emily Watson, som satte upp en fantastisk show på festivalen) att designa några för sig själv för fällanvändning. Hon litar på att han inte kan göra något fel och accepterar gärna hans lilla plan, hennes lilla lättnad i moralen som snart kommer att sättas på prov av högre insatser.
Sedan hände något fruktansvärt, bäst att hålla hemligt, som ställde de två stjärnorna mot varandra i en ovanligt djupgående prestationsuppvisning, med Watson som glittrade när hon misstänkte att hon hellre skulle äta det. Davies och Holmer (Shane Crowley och Fodhla Cronin O'Reillys förödande manus vägledde deras intryck av Irland) lät det osmotiska trycket stiga och stiga till outhärdlig intensitet, brinnande i chockerande klimax. Det lämnar oss med oroande frågor om hur vi beter oss i samma situation. Hela tiden kan vi njuta av Chayse Irvins underbara filmfotografi, där hon hittar smarta ljuskällor i många nattscener och en robust lyster i grått dagsljus. Han gör sitt bästa för att filma alla de olycksbådande, förbjudna vatten som kretsar kring detta moraldrama, ett becksvart tomrum som sträcker sig till oändligheten, likt den mänskliga själens djup, utan kompromisser eller medlidande.
Det vore dumt av Netflix att inte sno regidebuten av Lee Jung-jae, som är mest känd för att ha huvudrollen i sin succéfilm "Squid Game". (Sätt den i din Algorithmic Synergy-film och rök den!) Ambitiös, slingrande, hysteriskt våldsam, trycker den på många av de knappar som Big Red N älskar i sina andra efterhandsfilmer, och den använder tillräckligt stor – Underbar i skala för att spränga den lilla skärmen den en dag kan leva på. Spionageposet utspelar sig vid en särskilt turbulent tid i Sydkoreas historia, när en militärdiktatur slog ner på demonstranter och deras skallar och spänningar blossade upp igen med sin fientliga granne i norr. Mitt i kaoset utbröt en katt-och-råtta-lek inom Sydkoreas CIA, där chefen för utrikesdepartementet (Lee Jung-jae, samtidigt tjänstgörande) och chefen för inrikesdepartementet (Jung Woo-sung, som redan har dykt upp i en sådan situation) i webbdramat "Steel Rain" och Iran: The Wolf Brigade) tävlar för att nosa upp mullvadarna de... båda tror gömmer sig i motståndarlaget.
Medan deras utredning genomsyras av en rad av misstag och återvändsgränder, som kulminerar i en presidentmordsplan, brainstormar två elitagenter tillsammans för att nå ett gudaliknande plan. Jag kan inte nog betona det stora antalet dödsfall under filmens två och en halv timme långa film, som om Lee var kontraktuellt skyldig att spränga minst 25 personer i varje scen. Han orkestrerar dessa blodbadssymfonier med gammaldags expertis, håller CGI till ett minimum och maximerar antalet squib-grupper i ett sådant antal att branschen förblir lönsam i många år framöver. De labyrintiska manusen kräver varenda nypa av din uppmärksamhet, och kraven på speltid är så höga, men de som inte störs av komplikationerna kan smaka på de ovanligt grova proverna i spionfilmerna. (Och de som går vilse kan fortfarande badas i blod.)
Det är en verkligt konstig film, mannen: Brett Morgans kommande HBO David Bowie-dokumentär får inte ens plats i den här enkla beskrivningen, det är mer som ett snabbt collage av bilder och referenser, som ett solsystem som kretsar kring en av historiens mest fascinerande musiker. De inledande minuterna passerar genom en serie klippcollage som inte bara innehåller art-rock-alien själv, utan även alla antydningar som kan ge oss hela hans obeskrivliga gestaltbakgrund. Förutom videon till "Ashes to Ashes" eller liveframträdandet av "All the Young Dudes" kan vi också fånga antydningar till stumfilmsklassiker som Nosferatu (en gänglig outsider fruktad av vanliga fyrkanter), Metropolis (en Bowie i Berlins industriella tyska minimalism som gynnades av tiden) eller Dr. Mabus the Gambler (ytterligare en Weimar-artefakt om en man som kan förtrolla sin publik). Även om dessa kopplingar verkar bräckliga kan vi göra dem meningsfulla och ta bort alla insikter vi får från dessa popkulturella Rorschach-tester.
Allt eftersom filmen rullar igenom sina, förvisso extra långa, två och en halv timme, går den från experimentellt till rutinmässigt. Den första timmen fokuserar på övergripande teman som Bowies bisexualitet eller hans klädsel, och resten är arrangerade kronologiskt och tar oss genom Los Angeles och Västtysklands resor, hans förhållande med supermodellen Iman, ett äktenskap med samma namn, och hans vändpunkt på 90-talet var populismen. (Hans flirtande med kokain hoppas dock respektfullt över.) Dessa avsnitt ger en användbar snabbkurs för Bowie-nybörjare, och för de som redan är skickliga är det ett återbesök av några av de isiga korvar han gör på ett bra sätt. Morgans 5-åriga fullständiga bevakning av en rockstjärna har inte många stora avslöjanden, men de fritt associativa sätt han närmar sig kan fortfarande återuppliva ett mysterium som ändå inte kommer att gå ur modet.
Varje rumänsk film berättar hur hemskt det är att leva i Rumänien, ett land med korrupt regering, dysfunktionell offentlig infrastruktur och bybor som är griniga av hat. Den senaste filmen från den tidigare Guldpalmvinnaren Cristian Mungiu, som fortfarande är den enda regissören i landet att vinna festivalens huvudpris, fokuserar på den sista delen. I ett litet isolerat samhälle någonstans i Transsylvanien riskerar en exklusiv tryckkokare att explodera när några srilankanska migranter kommer till staden för att arbeta i ett lokalt bageri. Invånarnas reaktion lät som en ström av rasistiskt medvetande som amerikaner skulle förstå som nära släktingar till den trumpistiska ideologin: de kom för att ta våra jobb (ingen av dem brydde sig om att ta sina), de ville ersätta oss, de är agenter för illvilliga utländska makter. Fantastiska engångsfilmer under ett stadsmöte släpper lös en flod av galla, och logikens mask sänker sig långsamt när medborgarna erkänner att de helt enkelt inte vill se någon annorlunda.
Om det låter som en miserabel uppförsbacke, finns det tillräckligt med ideologisk eld och cool, mästerlig fotografi för att fängsla även de mest utmattade festivalbesökarna. Mungiu tar oss genom snötäckta skogar och grusbelagda vägar och fotograferar dem alla på ett distanserat sätt som kan frammana bilder av skönhet lika lätt som fulhet. Handlingen är mer blommig än den politiska belägringen kan antyda. Björnar är en stor del av saker och ting, liksom en bageriägares cellospel. I centrum för en film med starka partiprinciper är hon också en del av ett moraliskt dilemma, och hennes altruism gentemot invandrare skulle kunna vara en rökridå för att utnyttja det hon i slutändan ser som billig arbetskraft. Ingen kom ut särskilt bra från den här filmen, en stark och kompromisslös pessimism som vi inte kunde få från Hollywoods filmproduktion, eller för den delen, den amerikanska indiekretsen. Ett Amerika som detta kommer aldrig att existera, även om de nationella patologierna är så lika att vi lika gärna kan titta i en trasig spegel.
Ta satiren i konstvärlden, där all rivalitet, ynklig förbittring och fullständig desperation antyds och reduceras till de lägsta risker man kan tänka sig. Dessutom är Michelle Williams förmodligen den bästa rollen i hennes karriär. Ta sedan bort så mycket action som manuset kan bära utan att bryta upp det, som för publiken som tyckte att regissören Kelly Reichardts tidigare spelfilm "First Cow" var för spännande. Publicitet genomfördes. Sådan är längden på detta ömtåliga porträtt av en kvinna som står inför gränserna för sina talanger inom ett område som inte verkar ha något med henne att göra. Williams spelar den oroliga Lizzy Carr, en liten skulptör vid det numera nedlagda Oregon Institute of Arts and Crafts, som försöker anpassa sig till den kommande utställningen, men vad hon ser Distraktioner finns överallt: hennes hyresvärd/vän (Hong Chau, den förra är alltmer bättre än den senare) vill inte laga hennes varmvattenberedare, en skadad duva behöver hennes ständiga vård och uppmärksamhet, den krångliga och nedlåtande gästkonstnärens lugna nedlåtenhet gör henne galen.
Men Reichardts tragiska genialitet ligger i hennes förslag att Lizzy kanske inte skulle vara kapabel till det. Hennes skulpturer är inte dåliga, de brinner inte på ena sidan när ugnen värms ojämnt. Hennes far (Judd Hirsch) är en välrenommerad keramiker, hennes mor (Marian Plunkett) leder avdelningen, och hennes mentalt instabila bror (John Magga) Law har gnistan av inspiration som Lizzie kan kämpa för. Utställningen på Climax Gallery – även om ordet "Climax" används för att beskriva en film som är så resolut diskret och cool i västkustens universitetsstadsvibb – rullas ut som en mild fars, de små förolämpningarna från hennes liv staplade mot varandra medan hon väser åt sin bror för att låta henne slappna av från den fria osten. För Reichardt, den mångårige Bard-professorn, är ironin i hennes egen approximation mer själfull än frätande, kännetecknad av en viss uppskattning för alla miljöer som tillåter ambitiösa excentriker att vara sig själva i sin egen tid.
Den bästa meritsekvensen tillhör detta psykodrama från Polens bäst bevarade hemlighet Agnieszka Smoczyńska, som framgångsrikt gör sin första ryckning till engelska. Varje namn läses upp och kommenteras sedan av flera tonårsröster som mumlar "Åh, jag älskar det här namnet!" Till exempel blinkar Michaels leende ansikte över skärmen. Det är inte bara en bra poäng heller. Detta är en introduktion till Lonely Island-universumet skapat och bebott av June (Leitia Wright) och Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, ett par svarta flickor som bokstavligen bodde i Wales på 70- och 80-talen. De söker sin tillflykt i sitt förhållande och faller in i ett tillstånd av selektiv tystlåtenhet i en liten, helvit by, men deras tystlåtna tillbakadragande från omgivningen leder dem så småningom in i det tragiska kaoset på Broadmoor Asylum. I denna autentiska berättelse utforskar Smoczyńska och författaren Andrea Seigel den ovanliga psykologiska inre som flickor delar och föreställer sig hur sådana extrema upplevelser kan kännas inifrån och ut.
Precis som de måste vara för flickorna, bländar brottet i realismen på ett sätt som deras vardagslivs tråkighet inte kan matcha. Extremt skrynkliga stop-motion-filmer ser figurer med fågelhuvuden vandra genom dimensionerna av kräppapper och filt, och enstaka musikaliska figurer förmedlar systrarnas oroliga inre tillstånd i ett deklarativt språk, en grekisk kör. (Samma som Smoczyńskas briljanta mördar-sjöjungfru-strippa-show The Lure, från Polen.) June och Jennifer föreställer sig att de går in i en färgmättad fristad där allt kan vara felfritt, tills smashen återgår till verkligheten och vi är i chock. I romantisk verklighet försöker idrottare utföra gymnastik med skyddade flickor efter att ha hejat på dem. När deras gemensamma situation försämras och domstolarna separerar dem, kan vi bara se fientliga krafter förstöra deras privata säkra tillflyktsorter, en serie formella bakåtvolter som uppstod mitt i kommentarer om bristen på psykiatriska tjänster i Storbritannien.
Mad Max är nu i hans bakspegling, och George Miller är tillbaka med denna osannolika moderna saga om en man vid namn Alicia Binney (Tilda Swinton, i toppform) och anden (Idris Elba, Resplendent och Giant) som hon just släppt ur flaskan hon hade förvärvat på Istanbuls basar dagen innan. Du vet hur det går, han är här för att uppfylla hennes tre önskningar och låta henne använda den som hon vill, men eftersom hon också vet hur det går är hon inte villig att gå i några "försiktiga" fällor. För att övertyga henne om sin välvilja kokade han ihop en fantastisk berättelse om hur han tillbringade de senaste tre årtusendena, en CGI-extravaganza som vid varje given tidpunkt överträffar de flesta studioprojekt i sitt slag under hela sin period. Mer fantasi kan frammanas. Från drottningen av Sabas slott till kejsar Suleiman den magnifike hovet, färdas magi, intriger och passion genom det antika Mellanöstern.
Men denna underbara resa har en oväntad destination som kulminerar i den subtila kärlekshistorien mellan dessa två egensinnade likasinnade personer. De bryter sin ensamhet genom att dela glädjen i berättandet, och Millers kapslade berättarstruktur får dem att göra det lilla extra. Som Alithea förklarade i ett akademiskt konferensföredrag nära början av filmen, uppfinner vi myter för att förstå den gåtfulla världen omkring oss, och Miller har åstadkommit en betydande bedrift genom att kombinera denna känsla av vördnad med... Känslan av uppfinningsrikedom för in kunskap i en modern värld kvävd av teknologi. Naturligtvis är filmskapare inte ludditer; visuella effektfantaster kommer att fängslas av den kloka användningen av digitala utsmyckningar och fullskaliga skapelser, oavsett om det är det fantastiska materialet där man följer en flaska ner i havet från en fågelklo eller förvandlas till en gigerliknande spindel. Den mutanta lönnmördarens omedelbara mardrömsbränsle löses sedan upp i en pool av skarabéer.
Riley Keough ansluter sig till Gina Gammell i regissörsstolen för en lovande start på nästa fas av deras karriärer. (De två har redan ett annat gemensamt projekt på gång.) De har skakat på axlarna av varje antydan till Hollywood-fåfänga, och Oglala Lakota-stammen försörjer sig på livet runt detta neorealistiska Pine Ridge-reservat i South Dakota. Det kan de. För den lokala ungen Matho (LaDainian Crazy Thunder) och den äldre Bill (Jojo Baptise Whiting) betyder det mestadels att stjäla och sälja droger, handla med små mängder metamfetamin, arbeta timmar på närliggande kalkonfarmer och fabriker, eller att sälja pudlar genom avel för att spela spelet längre. När man inte har pengar att göra någonting finns det inget kvar att göra, ett faktum som de flesta filmer som nöjer sig med att umgås med unga människor, som bara letar efter något att fylla sin fritid med, förstår.
Om det här låter som att utomstående Keough och Gammell överdrivet romantiserar fattigdom eller rör sig i den motsatta riktningen av exploatering, tänk om; efter manusförfattarna Bill Reddy och Franklin Sue Bob (Guided by Sioux Bob) och en ensemble av verkliga invånare i Pine Ridge, trär de skickligt igenom svåra tonstygn utan att fokusera på svåra toner. Dessa karaktärer måste brottas med en massa skit från de vuxna runt omkring – Matos ibland kränkande far, Bills vita chef – men precis som unga människor i verkliga livet, när de väl kan fortsätta umgås och skoja, kommer eländet att komma och glida av ryggen på dem med sina vänner. En distanserad klimax bekräftar filmens mest vidriga avsikter att fira och stärka människor som marginaliserats av ett vitdominerat samhälle som ser på dem med avfärd när man betraktar dem. Keough-Gammells regihjärnor är här för att stanna, och förhoppningsvis kommer även deras karismatiska samarbetspartners, den mest profilerade lekmannaskådespelaren vi har sett sedan Chloe Zhaos The Rider.
Publiceringstid: 2 juni 2022
